中国戏曲的百花园里，晋剧如厚重深沉的山峦，豫剧似明快爽朗的峰岭，在北方大地并立成双峰，各自闪耀着独特的艺术光彩。近日，市工人文化宫举办的“戏曲名家”专场演出，特邀晋剧表演艺术家刘卫平、张红红、侯润娥，以及豫剧表演艺术家李青枝、李向英登台。他们通过精彩的表演，鲜明地展现出两个剧种的美学特质，彰显了艺术家对形神兼备的执着追求。

　　晋剧三杰：在刚柔相济中诠释晋韵风骨

　　晋剧脱胎于山西民间艺术，唱腔于高亢中见苍凉，表演程式兼具豪放与细腻，尤重“气”与“韵”的融合。刘卫平、张红红、侯润娥三位艺术家，虽行当不同，却共同延续了晋剧“以情带戏、以戏传情”的精髓。

　　晋剧《金水桥》中“坐宫绑子”，是全剧的核心冲突段落。张红红的演绎，将银屏公主面对国法与亲情的撕裂感展现得极具张力，在唱腔、肢体语言与情感层次上，均鲜明地体现出晋剧特色。此段中，张红红并未一味将唱腔处理得高亢激越，而是让旋律成为情感的载体。得知儿子秦英打死国丈詹太师，她开口一句“听一言吓得我魂飞天外”，音调骤然拔高，仿佛瞬间被抽走力气，既显出母亲对儿子闯祸的震惊，又藏着对“天子犯法与庶民同罪”的恐惧；面对秦英的不解，她的唱腔节奏放缓却字字沉重，拖腔中带着哽咽，把母亲既恨儿子鲁莽，又疼惜骨肉的矛盾，化作唱腔里的高低起伏，听得人揪心。

　　张红红的表演最妙之处，是没有把角色塑造成单纯的慈母或大义灭亲的公主，而是让两种身份反复拉扯。她对秦英的态度，尽显本能与理智的激烈交锋。再品最后一句“校尉们，将奴才押上走”，前半句“将奴才押上”字字决绝，带着不容置疑的威严，末字“走”却陡然卸力，尾音里裹着化不开的哽咽、藏不住的喑哑，将角色内心被国法与母爱撕扯的挣扎、护不住骨肉的无奈，全表现了出来。

　　晋剧慷慨悲歌的底色，在她的演绎中，化作了“于无声处听惊雷”的厚重力量。隐在克制里的刚烈，比嘶吼更具穿透力。她的表演，既有着晋剧特有的火爆张力，更深挖人性的复杂纵深。

　　侯润娥出演的是晋剧《小宴》片段中的吕布。她的“翎子功”堪称一绝。柔韧的两根翎子，通过掏、甩、挑、绕等技巧，鲜活地展现出吕布的性格与心理变化，让观众深切感受到吕布爱意翻涌、情难自抑的复杂情绪。表现吕布的傲气时，双翎大幅度摆动，配合挑眉，凸显出满不在乎的神气；面对貂蝉的美貌，她又轻拂翎子、左挡右拦，传递出吕布对貂蝉的倾慕与调情心理。她的“双立翎”绝活，更是让观众大呼精彩，展现了晋剧表演艺术的独特魅力。

　　翎子功是侯润娥的亮点，但她的亮点远不止于此。《小宴》片段中，她饰演的吕布，兼具晋剧“须生”与“小生”的韵味，又带着吕布特有的狂傲与多情。讲虎牢关战胜刘关张三兄弟时，她嗓音高亢明亮，透着吕布身为诸侯的自负与霸气；对王允，字正腔圆，顿挫有力，尽显吕布不可一世的姿态；对貂蝉，缠绵婉转，尾音带着细腻的拖腔，柔中带媚，将吕布被美色吸引时的痴迷与轻佻传递得细致入微。她唱腔中的刚柔转换，精准贴合了吕布性格中勇而无谋、色令智昏的核心特质，让角色的情感层次更显丰富。

　　侯润娥的表演极具“戏眼”，每个细微的表情都在为角色的心理活动注解。初见貂蝉，她眼神骤然发亮，瞳孔微张，几分惊艳与贪婪，暴露了吕布的好色本性；当貂蝉假意推辞、欲迎还拒时，她眉头轻蹙，眼神中闪过一丝急切与不甘，配合轻撇的嘴角，将少年得志的将领面对美人时的急躁与占有欲刻画得入木三分；而在被貂蝉的柔情打动时，她眼神又变得迷离柔和，面带痴笑，全然一副沉溺其中的模样。这些表情与翎子功等身段技巧相互呼应，让吕布戏貂蝉的轻浮与痴迷既有视觉冲击力，又不失真实感。

　　刘卫平以须生表演见长，其核心在于“稳”与“劲”的平衡。现代晋剧《铸城》选场中，他饰演市长，虽不戴须，却把须生的刚烈与市长对百姓的温情完美结合，将市长面临缺粮困境并决定动用军粮这一情节，演绎得扣人心弦。

　　身为晋剧丁派艺术第三代传人，他既坚守丁派“刚健激越、字正腔圆”的本色，又依剧情需要灵活调整，让唱腔在贴合角色心境与戏剧冲突中焕发生机。表现内心纠结时，他把节奏放缓，情绪中带着迟疑与凝重，通过拖腔和颤音，细腻地传达出角色对动用军粮后果的担忧；做出决定后，唱腔陡然变得高亢激昂，以强烈的节奏和饱满的音量，展现出市长以民为本的坚定，让观众深切感受到角色内心的挣扎与抉择后的果敢。

　　刘卫平对人物的拿捏十分精准，通过细腻的肢体动作和丰富的面部表情，将市长的形象塑造得立体饱满。面临缺粮困境，他眉头紧锁，眼神中透露出焦虑与忧心，微微颤抖的双手，恰如其分展现出局势的严峻和内心的焦灼；决定动用军粮后，他挺直身躯，眼神坚定，仿佛肩负起了所有责任，生动地塑造出一个心系百姓、勇于担当的市长形象。他巧妙地将现代元素与传统晋剧表演相融合，使角色的情感表达更加直接、强烈，为晋剧注入了新的活力，也让观众看到了晋剧在新时代的诸多可能。

　　豫剧双星：于炽烈奔涌中彰显豫调神采

　　豫剧素以“接地气”的风格闻名，其唱腔明快激越，表演夸张而不失细腻，尤其擅长通过“声”与“动”的结合，传递角色的炽烈情感。

　　李向英出演的是豫剧《虢都遗恨》片段，饰演子桑，呈现角色与丈夫、女儿面临生死绝境时的场景。她以极具张力的表演，将角色在宫廷权欲裹挟中的绝望、悲怆与刚烈，展现得惊心动魄。在情感递进与细节刻画上，感染力十足。

　　李向英的嗓音带着豫剧特有的厚重与悲怆，唱段中几乎字字泣血。面对家破人亡的绝境，她的唱腔不再是规整的旋律，而是融入急促的喘息、颤抖的尾音，甚至在关键处以近乎嘶吼的拖腔，将生无可恋的决绝倾泻而出。与丈夫、女儿诀别时，唱腔陡然转柔，满是对亲人的不舍与疼惜，把骨肉分离的悲痛演绎得层次分明。她的动作简练却充满力量，初遇绝境，身躯微微佝偻，每一步似有千斤重；与家人对视的一刻，眼神从起初的哀戚，慢慢变得坚定，抬手拭泪的动作带着颤抖，可在抚摸女儿脸颊时，又满是温婉轻柔——母亲的本能与赴死的决心，就这样丝丝交缠。最后决意赴死时，她反而脊背挺直，仿佛在以最后的姿态维护尊严，肢体的“静”与内心的“烈”，碰撞出强烈的张力。

　　李向英最动人的是对“情感真实”的把握。她没有刻意放大悲恸的外在表现，而是通过眼神的黯淡、嘴角强忍的抽搐、与家人相拥时身体的僵硬等细节，传递出深入骨髓的绝望。这种“哀莫大于心死”的状态，比激烈的情绪爆发更具悲剧力量。

　　李青枝在豫剧《秦雪梅》中《吊孝》一折的表演，将秦雪梅痛失未婚夫商林后的悲恸、忠贞与刚烈，演绎得刻骨入肌。其唱腔、肢体与情感表达，深度融合了豫剧“悲情戏”的醇厚韵味。尤其在“哭”的层次与人物精神内核的刻画上，极具穿透力——既有撕心裂肺的痛，又不失大家闺秀的端庄，哀而不伤，悲而有节。

　　初入灵堂，面对商林灵位，她开口便是一句低回的“慢板”，音调从颤抖的气口起音，“商郎啊——”三字拖腔绵长，尾音带着无法抑制的哽咽，仿佛一口气险些喘不上来，没有直白的哭喊，却让人心头发紧。唱到与商林的过往情分时，节奏稍快却字字沉重，拖腔中融入细微的颤音，将少女对爱情的憧憬与现实的残酷对比，化作唱腔里的甜苦交织，听得人唏嘘。哭诉商林因相思、被逼迫而亡时，唱腔忽转，音调拔高，尾音带着激愤的拖腔，将秦雪梅的忠贞与反抗融入唱腔。

　　李青枝的肢体动作，没有刻意夸张的悲恸，却在细微之处藏着千钧之力。走向灵位时，她脚步缓慢却沉重，每一步都似踩在心上；跪拜时，透着万念俱灰的决绝，双手抚向灵位，指尖微微颤抖。

　　《吊孝》的核心，是秦雪梅对爱情的忠贞与对命运的抗争。李青枝没有把角色演绎成单纯的悲情女子，而是让“哭”成为情感与精神的载体——哭中藏着对封建礼教的控诉，透着“生为你生，死为你死”的刚烈，让哭有了超越个人悲喜的力量，让观众看到一个女性在命运碾压下的坚守，真正做到了悲得真切、烈得动人。

　　薪火同辉：共鉴戏曲传承的根基与前路

　　刘卫平、张红红、侯润娥与李青枝、李向英，虽分属晋剧与豫剧，却在艺术追求上呈现出惊人的共性。他们都打破了行当限制，以角色为核心重构表演程式；注重情感真实，让程式化的动作与唱腔成为内心的自然流露；在传统与创新之间找到了平衡，既坚守剧种的美学根基，又注入个人的生命体验。

　　从风格来看，晋剧三杰的表演更重“韵”的营造——刘卫平的“刚劲”藏于沉稳，张红红的“烈恸”见于细节，侯润娥的“俏喜”融于质感，共同构成了晋剧内敛中见深沉的美学特质；豫剧双星则更重“力”的释放——李青枝的“凄锐”沁骨入髓，李向英的“悲劲”直抵人心，诠释了豫剧酣畅中见灼热的艺术风格。

　　此次“戏曲名家”专场演出，配角的表演同样熠熠生辉，成为舞台上不可或缺的亮色。他们戏份不多，却凭精准的拿捏让角色立得扎实，为舞台添彩，更衬托出主角表演的层次与张力。这让我们看到戏剧舞台的未来，看到戏曲艺术生生不息的底气。

　　我们欣喜，戏剧艺术的根脉并未因时代变迁而彻底沉寂，却也不得不承认，这份活力尚未完全转化为市场的热度。剧场里的年轻观众仍显稀疏；日常视野中，戏剧的存在感远不及流行文化，传统艺术的魅力与当下大众的审美需求之间，还隔着一道需要用心搭建的桥梁。

　　这并非苛责年轻观众的审美偏移，毕竟快节奏的时代里，短视频的碎片快感、影视剧的沉浸式叙事，都在消解着人们对慢品戏韵的耐心。而戏剧本身，无论是程式化的表演、相对固定的经典剧目，还是“台上一分钟，台下十年功”的慢养成模式，似乎都与当下追求即时反馈的传播逻辑相悖。

　　所幸，隔阂并非不可逾越。当传统剧目在守正的基础上，融入当代人的情感共鸣点，让程式化的身段里藏进更细腻的人性褶皱，让经典的故事照见当下的生活肌理；当戏剧走出剧场，借短视频片段、线下互动体验等方式，与年轻观众相遇；当更多人意识到，那些慢养出的功底沉淀下的韵味，恰是对抗碎片化焦虑的一剂良方，或许，传统戏剧就能在时代的土壤里扎得更深。

　　真正的艺术从不怕等待，怕的是失去与时代对话的勇气。当舞台上的表演依旧在方寸间绽放着赤诚，当一代代人愿意为这份“慢”注入新的理解，戏剧的根脉便会在传承与创新的交响中，催生出更蓬勃的未来。而我们，既需要耐心守护这份生生不息的底气，也需要带着新意，陪它一起走进更多人的视野。